ASTUCES EN CUISINE : un Duo de Clowns contemporains servi avec son accompagnement poétique et vintage

Mise en appétit !

Un duo tendre, doux, fantasque qui vous donne l'impression de voler sur un nuage de barbapapa sans avoir mal au ventre ! 
Le clown Auguste et le clown blanc sont des archétypes que les comédiens remodèlent avec un plaisir manifeste et beaucoup de finesse.

"Astuces en cuisine" est le nom d'une chaîne youtube animée par un chef,   le très méticuleux Monsieur Bertrand. Il est important pour lui que les astuces soient exposées comme il l’entend, avec rigueur et précision. Vous aurez ainsi compris que dans ce duo burlesque, Monsieur Bertrand, au long visage assorti d'un crane lisse et pâle, figure le clown blanc, magistral dans son costume de cuisinier. Les étoiles sont surtout dans le spectacle lui même et le feu d'artifices de maladresses et autres quiproquos et facéties qui s'enchaînent comme au Ping Pong avec son assistant et disciple, le bien nommé Guacamole. Guacamole est aussi décontracté, rêveur, maladroit, farfelu que son comparse est rigide. Ses débordements provoquent souvent l’irritation de Monsieur Bertrand, aussi compassé que dépassé. Celui-ci voudrait maitriser, c'est un controle freak, mais que faire face à son Auguste imprévisible ?

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Dans la belle tradition du clown blanc et de l'auguste, déclinée ici avec poésie et inventivité,  chacun est la face inversée de l'autre! Et même s' ils s’aiment beaucoup et ils font de leur mieux pour  faire la démonstration des astuces de cuisine qui font le succès de leur chaîne, la glissade n'est jamais loin.

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Un jour, Guacamole le réveur est encore moins prêt que d'habitude pour présenter l'astuce du jour ! 

Catastrophe et badamoum . Leur amitié survivra-t-elle à ce capharnaum ?

À travers le burlesque, la poésie, le mime et le théâtre d’objets, Astuces en Cuisine raconte avec humour et tendresse comment un projet commun peut mettre une amitié à l’épreuve. A partager en famille, dès 6 ans. Pour l'hilarité et la participation des enfants, pour le sourire qui se transforme en franc rire de gorge des adultes qui les accompagnent.

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L'agilité et l'expressivité des comédiens fait merveille et s'épanouissent comme des fleurs d'artichaut dans ce joli décor vintage qui nous rappelle l'enfance de certains films, mais aussi les rideaux bonne femme, suggérés par un rouge à poids blanc central ou un vichy de cuisine proche d'une histoire de Wallace et Gromit ou Shaun le mouton. Tout est là pour que "la sauce" prenne.

Et l'histoire n'esst pas sans rappeler une jolie fable sur les compromis nécessaires à faire pour construire quelque chose à plusieurs même lorsqu'on s'aime bien.

Mr Bertrand pourrait être un cousin de bac à sable un tantinet dirigiste, une copine d'école ou un parent hélicoptère et Guacamole l'enfance elle-même ou le distrait qui agace le perfectionniste. Etonnemment, enfants, adultes, nous nous retrouvons tous dans ce burlesque qui pousse le trait à l'excès si bien qu'il peut nous faire rire de nos propres défauts autant que les personnages.

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Une très agréable soirée pour tout le monde et quelques jours d'innocence gagnée !

Merci Messieurs Bertrand et Guacamole et vous, n'oubliez pas de mettre un pouce bleu dessous l'écran et de vous abonner à leur chaîne !

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Date du Festival Off Avignon : du 4 au 25 Juillet 2026 (relâche les mercredis : 8, 15 et 22 juillet)

Horaire : 9h50

Lieu : L'Espace Alya

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Durée : 1h

Genre : Théâtre Burlesque

Distribution : Jeu et conception : Fred Robbe et Felipe Magana, Dramaturgie, mise en scène et scénographie : Kristian Frédric

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L'HOMME QUI NE VOULAIT PAS ETRE UN HEROS : SPLENDEUR ET SOLITUDE DU LANCEUR D'ALERTE

Le spectacle est joué à la Factory, salle Tomasi. C'est en soi un gage de qualité. Si vous avez déjà aimé des spectacles donnés dans cette salle, vous aimerez sans doute les partis pris de mise en scène de cette pièce de théâtre.

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En effet, l'on se retrouve plongé très rapidement dans une atmosphère sombre et bleutée qui sied merveilleusement à l'ambiance thriller et au sujet de société.

Ce n'est pas un biopic frontal et chronologique de Snowden, surdoué en informatique et surtout agent de renseignement habilité au niveau le plus haut, après avoir tenté de servir son pays à la guerre. 

La charpente de la pièce, comme l'indique le titre, c'est la "rencontre" ultra risquée et ultra secrète entre Snowden et une journaliste éprise de liberté.

A partir de là, on va découvrir comment un homme épris de liberté, persuadé que son pays est le champion qui porte celle-ci, tombé de haut dans une réalité qui le plonge dans de nombreux dilemmes.

Des scène de la vie de couple, mais aussi d'interrogatoire entrecoupent les entretiens que Snowden donnent à la journaliste dans un lieu tenu secret en Asie.

On découvre ainsi un Snowden pris en tenailles entre l'amour de son pays, sa vie confortable et le désir de révéler sa découverte.

Même si désormais Snowden est presque aussi connu qu'Assange, je préfère ne pas révéler trop d'éléments tissant l'intrigue, car au moment pivot de la pièce, dans ce temps théatral, Snowden n'est pas encore au bout de son périble. Ceci n'est pas un banal biopic et pourtant vous en apprendrez beaucoup.

Il faut d'alleurs rappeler qu'à la différence d'Assange, Snowden n'est pas un hacker ni un rebelle né. Ce sont les circonstances qui transforment ce patriote fils de militaire en ennemi d'état.

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La scénographie et le travail sur la lumière expriment bien la sensation de danger qui étreint Snowden et son amie, ainsi que les costumes au moment des interrogatoires.

C'est une esthétique résolument contemporaine qui irrigue la situation et le propos sur la liberté et le prix à payer pour les lanceurs d'alerte.

C'est assurément un spectacle engagé qui fait la part belle au ressenti autant qu'aux faits et les comédiens, tantôt en citoyens ordinaires, tantôt en héros malgré eux, servent avec habileté l'ensemble qui habite l'espace scénique autant que notre cerveau sommé de penser et de nous extraire de la vulgate et du prêt à penser qu'on nous sert comme de la bouillie.

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C'est une pièce où la violence n'est pas exhibée mais exprimée, en ce sens des adolescents pourront la voir avec intérêt afin de découvrir une partie des enjeux de la surveillance citoyenne, telle qu'elle s'exerce aux Etats-Unis bien avant Trump déjà,  mais pas seulement là bas. Tous les éléments propres à construire de nouveaux schémas de tragédie contemporaine se retrouve dans ce théâtre conscient qui n'oublie pas de rester oeuvre d'art tout en partant du réel.

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C'est un bel hommage à ceux qui prennent tous les risques pour mettre à jour les scories totalitaires de certains états qui disposent désormais de technologies très puissantes.

La pièce de Sylvain Bastonero est un très bel hommage aussi en ce qui concerne Flore Vasseur, journaliste, femme d'affaire, documentariste, romancière qui s'est particulièrement intéressée à Snowden et au phénomène des lanceurs d'alertes. En ce sens, s'en faisant le relais, on peut la considérer comme une lanceuse d'alerte elle-même poussant loin l'investigation à plusieurs reprises afin que nous sachions.

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documentaire de Flore Vasseur

 Date du Festival Off Avignon : du 4 au 25 Juillet 2026 (relâche les jeudis : 9, 16 et 23 juillet)

Horaire : 14h40
Lieu : La Factory, salle Tomasi
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Durée : 1h20
Genre : Théâtre Contemporain
Distribution : De Sylvain Bastonero, Avec Sylvain Bastonero, Guillaume Blanchard, Cyrielle Buquet, Célya Humann, Jérémie Scheffler, Alexis Tran

Du verre entre les doigts, un livre qui révèle la morsure venimeuse d'un attentat contre l'enfance en montrant l'effondrement d'une famille

Ce roman a  opéré en moi une réaction quasi physique. Je l'ai lu à bout de souffle, bu d'un trait. Très vite j'ai eu soif de cette écriture, de ces personnages qui figurent la détresse absolue et , en même temps, le combat d'avance perdu et pourtant mené comme une guerre contre la dévastation et la décrépitude. Un petite fille nous raconte à hauteur d'enfant sa vie et son foyer qui tombe en ruine en même temps que le bâtis autour, la maison familiale elle même.

Sa mère souffre d'une maladie grave mais continue d'essayer de faire comme si. Est-ce un cancer, une maladie neuro-dégénérative, ... Jamais le mot n'occulte la chose (parfois les mains ne répondent pas, elle se gifle elle même devant les enfants).

Les hommes sont "absentés", qu'il s'agisse du père, du grand frère envoyé en pension.

Le style en vers livre est comme un travail sur l'absence, y compris parfois l'absence de ponctuation ou de majuscule.

On voudrait aimer la mère et bien sûr on éprouve de l'empathie pour son chemin de croix, néanmoins cette distance qu'elle impose à la narratrice a freiné mon embrassement de sa douleur, car elle ne parvient pas à donner à cette enfant qui est très seule l'amour maternel dont elle a besoin et la petite fille est en grande souffrance. Une souffrance qui l'amène à s'inventer un double "propre", "parfait", elle qui se sent si sale nous pose problème... La symbolique siège dans ce sentiment d'être sale et la machine infernale qui révèlera quelques tenants et aboutissants de l'intrigue (car intrigue il y a bien que le roman puisse être confondu avec un long poème du fait de sa mise en page et de sa liberté d'écriture).

J'y ai vu la descente au enfers annoncée d'un groupe familial souillé et accablé autant par la chair qui refuse d'obéir et tombe malade suite aux drames que par l'insoutenable souillure d'un crime qui ne dira pas son nom mais se confirmera sur la fin.

C'est un sujet extrêmement difficile que deux sources de tendresse illuminent par moment : Nati (Nathanaël, presque le nom d'un ange?), le "petit" grand frère, mystérieux et différent, réclamant tous les soins, ainsi que le vieux chien, qui arrive un jour, que la mère refuse de garder mais laisse s'installer.

Les vers libres et l'écriture de l'autrice, comme une machine infernale qui progresse vers le fatum ancien mais surtout la révélation, s'impose par sa singularité autant que sa virtuosité mise au service de ce sujet que comme elle je ne nommerai pas frontalement ici.

Il faut lire ce livre absolument. Un livre loin des conventions littéraires et pourtant éminemment littéraire.

Je l'ai lu trois fois, par pur plaisir du style d'Alix Lerasle.

Cette jeune auteurice s'était distinguée en tant que poétesse dans un premier temps et l'on peut dire sans exagération que ce roman augure d'un parcours littéraire intrigant et intéressant.

Encore une belle réalisation des éditions Castor Astral !

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Monstres : Une déflagration nécessaire

Monstres d'Elisa Sitbon-Kendall

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Elisa Sitbon Kendall  a réussi le tour de force de rendre intelligible et théâtral un concept complexe des sciences humaines devenu clivant à tort ou à raison. Il s'agit pour elle, à partir du cas très parlant de la situation aussi privée qu'intellectuelle du couple Schwarz-Bart.

Comment aborder l'appropriation culturelle au théâtre ?

En mettant à hauteur d'individu les problèmes posés par l'appropriation culturelle, en découpant la dramaturgie en 4 personnalités distinctes relevant de problématiques complexes et de préoccupations affectives diverses, elle démontre la difficulté d'échapper à la fois au problème posé par le post-colonialisme et aux conflitx issux de la difficulté de se comprendre soi-même et donc d'entendre les autres dans leur entièreté.

Quatre personnages en quête d'identité tentent de créer une œuvre alors que le rapport à ce qui amène à composer celle-cine revêt pas la même signification pour chacun. 4 acteurs qui sont aussi en quête de leur propre personnage.

Angèle, belle fille, jeune première et métisse, a fait connaître une œuvre (la favorite de son père), à son ami Noé qui s'en est entiché cependant qu'en rien il n'est lié au problème du racisme qui est le sujet du livre. Il s'agit en effet de mettre en scène l'impossibilité pour un couple noir/métisse de se marier (cela se passe dans le passé, en Haïti). Amédée joue le rôle de l'amoureux empêché, le "vrai noir" et s'il admire autant Noé qu'Angèle, il est le premier à voir avec lucidité que le fait que ce projet théâtral peut se retourner contre eux car Noé est blanc. Amédée ne fait pas l'autruche, il est pragmatique, il pense que la réussite seule, le succès, lui donneront la légitimité nécessaire de porter le combat qu'Angèle veut déjà affronter avant même que le travail prenne de l'ampleur. Quand à la quatrième, Sarah, elle, aurait préféré de loin que leur premier projet ensemble soit une pièce de boulevard, un truc qui fait rêver les gens. Elle est elle même d'origine ashkénaze, sa grand mère parle toujours Yiddish et espère qu'elle portera le lourd fardeau de la shoah. Sarah a pourtant choisi ce métier pour n'être pas seulement elle-même, coincée dans son identité. Alors qu'elle même n'a que le rôle d'un oiseau dans la pièce que rêve Noé, elle s'agace de ce qu'Angèle, rôle principal, politise le débat. Noé, qui prétend être l'homme blanc qui n'a le droit de rien faire et se projette en réalité dans le rôle qu'il donne à Angèle, a pourtant lui aussi des démêlés avec son identité, pensant qu'il doit choisir entre homo ou hétéro alors qu'il ne sait pas.

On se demande parfois s'il s'agit de combattre ou de s'enfermer dans des critères identitaires réducteurs.

Nous n'aurons aucune réponse à nos questions. Car Monstres est une œuvre d'art qui profite d'un sujet complexe pour aller encore plus loin dans son exploration de la recherche des possibilités que l'être a d'échapper au corps à corps. Tout part de discussions mais rapidement, à travers de fabuleuses scènes de danse et d'arrêts sur images, on en arrive aux corps qui s'entrechoquent à travers les idées.

Si elle parle de la légitimité de créer, et à partir de quoi, Elisa Sitbon-Kendall nous parle aussi du monde tel qu'il est, notamment à travers ces miroirs sur la scène, qui renvoient à tous des images sublimes, kaléidoscopiques mais toujours floues, ambiguës.

On parle de théâtre, oui, mais aujourd'hui, à travers la pratique de la mise en scène de soi, à partir de quelques critères seulement, nous pouvons tous nous sentir concerné et nous poser la question insoluble et philosophique de la définition de l'identité.

Ces 4 jeunes comédiens, tous d'une certaine manière, appartiennent à une minorité, celle-ci va-t-elle les définir éternellement, la souffrance fait-elle le talent, qui de la jeune caribéenne n'ayant jamais parlé créole, qui de l'haïtien que sa mère ne veut pas reconnaître, qui de la jeune ashkénaze sommée de perpétuer la mémoire, qui du jeune homme LGBT est légitime de créer quoi ?

Elisa Sitbon-Kendall nous livre un travail remarquable qui s'est densifié depuis Avignon 2024. Elle a trouvé un équilibre entre ses quatre protagonistes et leurs fantômes et déployé une maïeutique autant parlée que dansée. Dans la beauté du chaos qui finit, on a des frissons, de la compassion, on pense et on a saisi les enjeux d'un concept que certains auraient rendu pénible.

C'est un chaos lumineux, exemplaire, qui nous renvoie à notre humanité/Pharmakon : une humanité qui sauve et qui détruit.

Remarques : En 2024, Monstres était pour la première fois montré au festival off dans la même salle.

Depuis, la pièce a subi des modification qui en rien n'altèrent le sens ni les intentions. Cependant l'ensemble à gagné en puissance, en humour, en densité et tout en restant très esthétique et fort reste intelligible et accessible à un plus grand nombre.

Le casting masculin a changé et apporte sa propre richesse, notamment la maturité d'Amédée, le visage torturé de Noé.

Les deux comédiennes, toujours présentes, déjà admirables en 2024 ont développé une présence et une aura sublime, notamment dans leur pleine adhésion au projet, de la tragédie à la danse, de la comédie au vertige et au conflit.

Adeline AVRIL

RAJE/ LE SON DES PLANCHES (émission radiophonique bimensuelle consacrée au théâtre)

Podcast de l'émission consacrée à Elisa Sitbon-Kendall (interview fin juin 2025) sur www.raje.fr

Equipe artistique :

Elisa Sitbon Kendall - Mise en scène

Bonnie Charlès - Interprétation

Olenka Ilunga - Interprétation

Eugène Marcuse - Interprétation

Robert Moundi - Interprétation

Gaspard Gauthier - Création lumière

Lucie Duranteau - Costumes

Bastien Forestier - Scénographie

Tristan Thomas - Régie

Emma Cros (La Strada et Cies) 06.62.08.79.29 I - Diffusion

Lynda Mihoub 06.60.37.36.27 - Presse

du 5 au 26 juillet  relâche les 8, 15, 22 juillet

17h45  1h10

Salle : Salle Tomasi//LA FACTORY 

Réponse sexuelle, coup au cœur/coup de cœur - Festival Off Avignon 2025

Réponse Sexuelle

Au Figuier Pourpre à 16H30

Relâche les 10, 17 et 24 juillet

Réserver

Un théâtre de femme savante qui tord le coup aux attentes. 

Marine Fabre, autrice surdouée aurait pu choisir pour sa pièce de nous engluer dans un surplomb vexant, nous noyer dans des démonstrations embarrassantes. Mais précisément parce qu'à 25 ans à peine elle nous présente ici la pièce la plus "écrite" d'un théâtre contemporain émergeant à Avignon, elle tord le cou aux attentes que nous pourrions avoir. Poète, philosophe et psychanalyste de formation, l'écriture n'est pas son hobby mais plutôt sa nature.

Elle a déjà le recul nécessaire pour se livrer à l'un des exercices les plus casse-gueules du théâtre : la comédie satyrique. Et c'est ainsi que malgré les prérequis en filigrane, tout un chacun peut se laisser aller, dans certaines scènes, à rire à gorge déployée tout en entendant parfaitement le propos politique porté par le thème principal.

Son interprète, seule en scène avec divers personnages au bout du fil de son très symbolique téléphone rouge, nous réjouis avec sa fausse innocence.

L'héroïne elle-même est un cliché d'autrice ambitieuse et torturée. Elle vient de proposer à son éditrice un roman dont le héros, comme par hasard, se nomme Julien, mais l'éditrice, une parodie de parodie, probablement persuadée d'être elle même une sorte de Virginia Woolf, avec sa maison d'édition financée par son époux, se pique d'analyses plus ou moins blessantes et pousse notre héroïne dans ses retranchements. Emprise ou influence consentie, on ne saurait le dire, quoi qu'il en soit, elle semble se plier peu à peu aux critiques douteuses et caricaturales de son éditrice.

De nombreuses références littéraires peuvent amener à conseiller la pièce à un public d'initiés. Féministe. Bien sûr il est question de genre, bien sûr la langue est ouvragée, néanmoins il serait cuistre et bien dommage de ne pas recommander à tous cette pièce iconoclaste qui me semble contenir beaucoup d'autodérision salutaire.

On la comparera à de jeunes autrices au destin tragique et pourtant si je dois vraiment comparer la pièce et ses audaces, y compris le risque pris d'être mal interprété, c'est à un succès international que j'ai tendance à la comparer : Art, de Yasmina Reza. Art, fausse moquerie des amateurs d'art contemporain et véritable tour de force littéraire.

La scénographie judicieuse participe d'une esthétique chic et drôle à la fois puisque tout tourne autour d'une...baignoire ! Mais aussi du fameux téléphone rouge, ainsi que d'un col fraise assez formidable.

Le choix des morceaux de musique allié à la présence magnétique et décalée de la comédienne donnent parfois le frisson.

Pour conclure, je confesse un grand coup de cœur pour cette pièce, cette compagnie, cette autrice et cette comédienne et je pense que nous ne sommes pas au bout de nos surprises en suivant cette compagnie qui propose un théâtre contemporain hybride et inédit qui ouvre l'esprit, l'alimente et le réjouit.

Adeline AVRIL

Pourquoi les gens qui sèment : comment s'aimer quand la planète brûle ?

Comment s'aimer quand la planète brûle ? 

Combattre les mêmes maux avec des armes différentes engage une somme de dilemmes qui s'incarne dans les différents personnages de la pièce et atteint son acmé dans le couple formé par une militante portée sur l'action directe et un préfet qui a choisi la politique et le droit.

La pièce embrasse magistralement le thème épineux de la défense de l'environnement à travers le cas très réel des événements de Sainte Soline et des méga bassines. 

De par sa formation, Sébastien Bizeau maîtrise les éléments de langage de Sciences Po autant que l'art théatral et à travers le personnage du jeune préfet joué par Paul Martin, il joue de l'affrontement entre le cœur militant du jeune homme et sa posture de serviteur de l'état. Son histoire d'amour avec la passionaria de ce qui pourrait être une version théâtrale du mouvement de la terre représente le point de rupture voire de ralentissement de l'action éclairée. Qui a raison qui a tort, à nous d'en décider. La militance est-elle excessive ou lanceuse d'alerte ? Le préfet et l'état sont-ils trop froidement pragmatiques et lents pour sauver la planète ?

Dans cette pièce qui va à cent à l'heure et ne s'épargne aucune difficulté, les quatre comédien.ne.s sont extraordinaires et la mise en scène quasiment filmique nous entraîne dans l'action et la philosophie nous mettant dans l'état d'urgence  exigé par le sujet lui-même : la terre est en feu, faut-il attendre un décret qui n'arrivera jamais ou avoir le courage de se mettre hors la loi et foncer dans le tas ? La réponse, non manichéenne est une pilule amère pour la relation amoureuse des protagonistes. Néanmoins, elle amène mieux que jamais la question de l'engagement face au désastre climatique comme personne ne l'avait montré auparavant. Le combat n'est pas seulement romantique, c'est comme dans la tragédie antique, une question de vie ou de mort, et de fidélité à soi même et à ses valeurs.

D'ailleurs, comme à son habitude, l'auteur convoque des figures de la tragédie antique même s'il ne les habille jamais de toges, même si les personnages sont résolument contemporains. Cette multiplicité de références qui prennent vie sous nos yeux amplifie le propos politique et nous donnent à entrer de plein pied dans un thriller écologique haletant dont le fil rouge sentimental , littéraire, ajoute à la sensation d'immersion.

La mise en scène va droit au but créant une fièvre et un état d'urgence qui reflète le traitement des actualités tel qu'il est fait à notre époque, opposant le temps politique, ses engrenages, au temps de l'action.

La réalité des événement montrés en grand par des procédés vidéo achève de convaincre.

Je ne peux que recommander cette nouvelle œuvre de la compagnie hors du temps, qui montre que si nous avons déjà été ébloui par "Heureux les orphelins", nous commençons en réalité à peine à découvrir tout ce que cette compagnie recèle de trésor et d'inventivité.

La partie masculine de la distribution achève de nous convaincre et les deux comédiennes, très différentes et pourtant également convaincantes sont de magnifiques révélations dans les rôle qu'elles servent. Notamment, il est intéressant de constater qu'aux deux extrême de la pièce, ce sont les comédiennes qui portent les moments les plus "brûlant" la tragédie pour Gwenaelle Couzigou et la comédie pour Nastassia Silve (attention, risques de fous-rires).

La partie chantée, plus ténue que dans la pièce précédente, est, elle, essentiellement assurée par Paul Martin et Mathieu Le Goaster. Je vous laisse tirer les conclusions d'une façon d'appréhender le monde qui sort de l'ornière les écueils du genre sans tomber dans la caricature. Ici la force y compris la force brute est le fait des personnages féminins.

Je ne vous dévoilerai pas tous les ressorts, toutes les astuces du texte, du jeu ou  de la scénographie. C'est pour votre bien, car les retournements sont fins et nombreux, laissez-vous surprendre et n'hésitez pas à amener vos ados (à partir de 12 ans) et vos aîné.e.s.

Bref, allez voir cette pièce haletante, riche et intelligente autant que sensible.

Adeline AVRIL

Intervieweuse/chroniqueuse théâtre sur Raje (radio FM et Dab+)

Créatrice et animatrice de l'émission "le son des planches"

du 5 au 26 juillet  (relâche les 8, 15, 22 juillet)
 horaire : 12h40  Durée1h20

 Lieu : Salle Tomasi//LA FACTORY

TEASER

Réserver 

Un spectacle qui interroge la place de la conscience dans les choix individuels, et appelle à revitaliser l’engagement citoyen.

Texte et mise en scène Sébastien Bizeau

Avec Gwenaëlle Couzigou, Matthieu Le Goaster, Paul Martin et Nastassia Silve

Et avec la participation de Clément Pellerin et Margaux Wicart

Lumières Thomas Ruault

Décors Raphaël Guinamard

Costumes Claire Bigot

Création sonore Iris Lainé

Création vidéo Pierre Monchy

Illustration Pénélope Belzeaux

Coproduction Compagnie Hors du temps, Chasselaube Prod et Sésam’ Prod

 

SHAKOUL, une cérémonie pour guérir de la perte

 Il n'y a pas de mot pour dire "parent ayant perdu un enfant", c'est probablement indicible.

Un mot hébreux viendra ici raconter comment on maintient le lien entre les vivants et les morts, car telle la vigne privée de son fruit, le parent en deuil d'un enfant peut maintenir le lien et déchirer le voile qui sépare les vivants et les morts :

« Shakoul », en hébreu, désigne une branche de vigne privée de son fruit : la sève continue de circuler, mais elle n’a plus nulle part où aller. C’est cette sève, cette énergie vitale que SHAKOUL transmet au public avec une bouleversante humanité. Une pièce qui célèbre le pouvoir des mots et la persistance du lien au-delà de la perte.

Bien sûr, le thème de ce seul en scène est douloureux. Il nous rappelle des arrachements qu'on aurait voulu oublier. Il nous rappelle surtout que de la peine infinie on peut extraire de l'or, de la lumières.

La comédienne nous livre ici une performance extraordinaire, presque slamée, presque dansée. Ce texte elle l'a écrit à partir de nombreuse histoires de deuil *qu'on lui a confiées, d'autres qu'elle a vécues et cette histoire s'est incarnée, elle a pris un visage, un regard, un sourire, une bonté, elle est devenue Florimond.

Oui, ceci est l'histoire de Florimond, mort trop jeune, qui assiste au séisme, à la béance que sa disparition à laissé.

Les mots sont dits sans métaphore superflue et pourtant une infinie douceur, presqu'un début d'acceptation

nous pénètre au fur et à mesure que le destin accompagné des endeuillés et du mort voyage de la France au Japon.

Il y a du mystère au sens spirituel, dans cette œuvre, du mystère et de la beauté dans cette vérité existentielle. 

Un beau rappel des origines et du pouvoir de l'art , qui fait le lient entre le visible et l'invisible. La vie même, en somme.

De et avec Céline Pitault

Collaboration artistique : Benoîte Vandesmet, Florence Cabaret

Créateur lumière : Frédéric Fourny

Production : Les Airs Entendus (France et Suisse)

Communication: Céline Pitault celine.pitault@gmail.com / 

Presse : Lynda Mihoub Lynda@lagencelm.com / 

Diffusion : Luc CHAS lucchas@gmail.com

Lieu : Les Antonins

 5 juillet 2025   >  26 juillet 2025   17h35   Théâtre contemporain   Tarif Plein : 20 € - Tarif Off : 14 € - Tarif réduit : 12 € - Tarif Enfant (- 16 ans) : 10 € - Tarif Groupe : 12 €   55 min   A partir de 12 ans 

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